Bruce Nauman's unsettling words

Bruce Nauman is a renowned contemporary artist whose work spans a wide range of media, including sculpture, performance, video, neon, and installation. One of the most intriguing aspects of Nauman's practice is his exploration of language, particularly how words and typography function as both formal elements and conceptual tools. His works often manipulate language to probe the limits of communication, the instability of meaning, and the relationship between language and perception. Typography in Nauman’s work serves as more than just a graphic design element; it becomes a medium for unsettling viewers, challenging them to reconsider how words are experienced and interpreted in the visual realm.

The True Artist Helps the World by Revealing Nature of Human Existence, 1967

In Nauman's neon works, such as The True Artist Helps the World by Revealing Nature of Human Existence (1967), the artist uses bold, direct text to confront the viewer with philosophical and existential inquiries. These neon signs transform the space they occupy, turning the words into physical objects that demand attention. The use of typography in these works is not just for legibility, but also for its ability to create an immersive experience. The glowing, often fragmented letters are rendered in a stark, mechanical font that emphasizes their materiality while also invoking a sense of alienation. By using neon, Nauman amplifies the tension between the ephemeral nature of light and the permanence associated with written language, forcing the viewer to confront the weight of the words themselves.

Human/Need/Desire, 1983

Human/Need/Desire (1983) is a striking neon installation that explores the fundamental aspects of human existence—our needs, desires, and the intrinsic nature of being. The work consists of a series of neon signs, each flashing one of the three words—“Human,” “Need,” and “Desire”—intermittently in bright, vivid colors. The pulsating lights draw attention to the tension between these basic human conditions, creating an intense, almost overwhelming experience for the viewer. The repetition of the words, combined with the raw, cold aesthetic of the neon medium, emphasizes the urgency and cyclical nature of these concepts, while also evoking a sense of isolation and introspection. Nauman’s use of neon, a medium often associated with advertising or commercial signs, here becomes an unsettling vehicle for philosophical inquiry, forcing the viewer to confront the emotional and existential weight of the words themselves. In this work, Nauman interrogates how language, light, and space can reflect the complexities of the human psyche and the paradoxes inherent in human life.

100 Live and Die, 1984

The conceptual weight of Nauman's work with words and typography can also be seen in his repeated explorations of wordplay and paradox. In pieces like One Hundred Live and Die (1984), Nauman uses language to evoke the cyclical and sometimes contradictory nature of existence. The repetition of simple yet profound phrases such as "Live and Die" reflects the constant loop of human experience, while the use of text as a rhythmic, almost meditative element emphasizes the tension between the fleeting and the permanent. Typography, in these cases, takes on an additional layer of meaning, where the visual representation of the words, their placement, and the rhythm of their repetition become part of the philosophical inquiry. Through these works, Nauman not only challenges the viewer’s understanding of language but also invites them to experience the material and conceptual weight that words carry in the context of art.

O Design Atemporal do Golden Record : Tipografia do Infinito

 O Golden Record – ou Disco de Ouro da Voyager – é um disco de áudio e dados enviado ao espaço nas sondas Voyager 1 e Voyager 2, lançadas pela NASA em 1977. Idealizado por uma equipa lidereada pelo astrónomo Carl Sagan, o objetivo do Golden Record é servir como uma espécie de “mensagem engarrafada” interestelar: uma introdução da Terra e da huminada a possíveis formas de vida extraterrestre que encontrem o mesmo. Apesar de terem sido criados para uma missão científica, os discos representam uma initicativa mais filosófica e cultural.

O Golden Record é um disco de cobre banhado a ouro, com uma capa de alumínio e um diagrama explicando como reproduzi-lo. Este contém 90 minutos de áudio e cerca de 120 imagens codificadas, projetadas para apresentar aspetos fundamentais da vida e da cultura humana. 

No seu conteúdo inclui saudações em 55 idiomas, uma seleção de sons naturais e urbanos, como trovões, vulcões, ondas do mar, canto de passáros e risos, para representar o ambiente sonoro da Terra. A música escolhida representa culturas e eras diferentes, entre as obras estão peças clássicas como a “Quinta Sinfonia” de Beethoven, músicas étnicas de diversas regiões do mundo, e também canções contemporâneas para a época, como “Johnny B. Goode” de Chuck Berry. Também incluiu diagramas anantômicos do corpo humano, sequência de DNA, mapas, estruturas químicas e informações matemáticas para oferecer uma visão científica e biológica da Terra. Fotografias de pessoas de diferentes partes do mundo e em atividades diversas. Além de imagens de planetas do sistema solar, representações de localização espacial e de fenômenos astronômicos.

A capa do Golden Record inclui instruções codificadas que explicam como decifrar as imagens e áudios. Usa diagramas que indicam a velocidade de rotação do disco e infromações técnicas para a decodificação, com base em referências universais, como a estrutura do hidrogênio.  

 

A estrutura do Golden Record é um exemplo notável de comunicação universal, onde o design e a tipografia assumem um papel crucial na transmissão de informações através de barreiras culturais, linguísticas e temporais. Na sua concepção, os criadores precisaram pensar além das convenções tipográficas conhecidas e se voltar a símbolos e padrões visuais com significado científico universal, como as representações de hidrogênio, sequências binárias e diagramação atemporal. O design minimalista e direto das instruções na capa do disco reflete uma estética tipográfica onde cada linha e símbolo tem função crítica, eliminando excessos e construindo uma "tipografia do desconhecido", na qual elementos gráficos se tornam a ponte entre a Terra e uma possível inteligência alienígena. Esta abordagem destaca o poder do design e da tipografia em transcender palavras, comunicando ideias complexas por meio de uma linguagem visual cuidadosamente elaborada e intrinsecamente conectada aos fundamentos da ciência e da percepção humana.

A essência do design do Golden Record também dialoga com o conceito tipográfico de clareza universal, buscando um equilíbrio entre simplicidade e profundidade para garantir compreensão além das fronteiras humanas. Cada elemento visual é meticulosamente planejado para facilitar a leitura e interpretação por uma inteligência que, possivelmente, não compartilhe nenhuma referência cultural ou sensorial com a nossa. A disposição dos símbolos, as linhas e os esquemas no Golden Record lembram os princípios do design funcionalista: uma estética limpa, sem ornamentos, onde a forma segue a função. É um exemplo potente de como o design e a tipografia podem construir pontes com o desconhecido.

É considerado um marco da exploração espacial e um símbolo da curiosidade e esperança da humanidade. Em 2012, a Voyager 1 tornou-se o primeiro objeto humano a entrar no espaço interestelar, levando o disco ainda mais longe de nós. A ideia do Golden Record inspirou outras iniciativas de mensagens interestelares e é constantemente referenciada na cultura popular, destacando a tentativa de comunicar com o universo em um nível universal.

As sondas Voyager estão atualmente na borda do sistema solar, no espaço interestelar, e continuarão a sua jornada por milhões de anos. Dado o tamanho do universo e a trajetória desconhecida de qualquer civilização alienígena, as chances de o Golden Record ser encontrado são extremamente pequenas.

Hoje, os Golden Records são reconhecidos como artefatos únicos, representando a ciência, arte e diversidade cultural da Terra, e continuam a inspirar curiosidade sobre a humanidade e o cosmos.

O Manuscrito de Voynich: Ficção Medieval ou Conhecimento Perdido?

O LIVRO INDECIFRÁVEL

O Manuscrito de Voynich é um dos textos mais misteoriosos do mundo. Do ínicio do século XV – entre 1404 e 1438 – é um livro manuscrito ilustrado, escrito em uma linguagem ou código desconhecido e é ilustrado com o que parecem ser plantas, diagramas astrológicos, figuras femininas e outros elementos enigmáticos. O nome do manuscrito vem de Wilfrid Voynich, um antiquário polonês que o descubriu em 1912, quando o comprou a um jesuíta antes que o mesmo o vende-se ao Vaticano. Desde então, ele tem sido objeto de especulação e estudo, mas até hoje ninguém conseguiu decifrá-lo ou determinar o seu propósito exato.

Os textos desta obra estão escritos num sistema de escrita não identificado, chamado de “voynichês”. Este apresenta um padrão de escrita coerente e estrutura, mas nenhuma língua conhecida corresponde ou se parece a esta. Vários linguistas e criptógrafos já tentaram decifrá-lo, sem sucesso. 

No campo das ilustrações, é possível identificar cerca de 113 plantas ilustradas espalhadas pelos livros, enquanto que algumas plantas têm elementos reconhecíveis, a maioria parece ser fictícia. O manuscrito possui diagramas celestiais, símbolos zodiacos e representações do que parece ser o ciclo lunar. Este conteúdo sugere um conhecimento de astronomia ou astrologia. Há também figuras de mulheres nuas, algumas envolvidas em tubos ou estruturas semelhantes a sistemas biológicos ou canais de àgua. Essas ilustrações têm sido interpretadas como representações simbólicas de processos biológicos ou médicos. É possível encontrar também desenhos de frascos e recipientes, além de uma seção com o que parece ser uma lista de plantas e substâncias, levando alguns estudiosos a acreditar que o manuscrito poderia ser um guia de ervas medicinais. 

Alguns pesquisadores acreditam que o manuscrito seja um herbário medieval com plantas medicinais e receitas terapêuticas. No entanto, as plantas não correspondem diretamente a espécies conhecidas. Devido à presença das figuras femininas e diagramas semelhantes a órgãos, outra teoria é que seja um livro sobre medicina medieval, talvez um tratado ginecológico ou de saúde feminina. Muitos estudiosos acreditam que o manuscrito esteja em código, criado para proteger conhecimento específico. Em alternativa, poderia ter sido escrito num idioma perdido ou inventado. Existe também a teoria de que o manuscrito seja uma invenção intencionalmente sem sentido, uma brincadeira ou mistificação, criada para confundir os leitores. Contudo, a complexidade do texto sugere que uma construção cuidadosa, pouco provável de ser apenas um enigma sem sentido. 

O Manuscrito Voynich já foi submetido a várias tentativas de decifração, usando técnicas desde criptografia clássica até análises de inteligência artificial. Em 2013, testes de carbono-14 foram realizados para determinar a idade do pergaminho, o que confirmou a sua origem no ínicio do século XV.

Criptógrafos da Primeira Grande Guerra, como William Friedman, e modernos estudiosos de inteligência artificial tentaram decifrar o texto, mas nenhum conseguiu. No entanto, através dessas análises, conclui-se que o “voynichês” possui padrões de repetição e frequência de palavras similares aos de linguagens naturais. Isso sugere uma gramática interna, mas até agora, sem correspondência com nenhum idioma conhecido.

Alguns linguistas notaram que certas palavras parecem ocorrer em àreas específicas do manuscrito, sugerindo temas relacionados com o conteúdo visual. Por exemplo, palavras específicas aparecem em seções botânicas e outras na seção artronômica, o que indica organização intencional.

O manuscrito possui marcas e inscrições adicionais que sugerem uma longa histórica de proprietários. Entre esses, Rudolf II da Germânia, que teria comprado o manuscrito no século XVII acreditanto que o seu conteúdo fosse valioso. Também Athanasius Kircher, um estudioso jesuíta e criptógrafo que também tentou decifrar o manuscrito. Chegando então Wilfrid Voynich, ao qual o manuscrito apropriou o seu nome.

O Manuscrito de Voynich é atualmente mantido na Biblioteca Beinecke de Manuscritos e Livros Raros da Universidade Yale, onde está catalogado como MS 408. O mesmo foi digitalizado e está disponível para ser consultado online.

O mistério do manuscrito permance até hoje, sem uma decifração definitiva, continuando a alimentar teorias e estudos. 

 

A Arte Déco: o Design e a Publicidade

“Designing a poster means solving a technical and commercial problem....in a language that can be understood by the common man.”

A.M. Cassandre

A década de 1910 representou um período de grandes progressos tanto a nível económico, como tecnológico e cultural. Numa época na qual o cinema e a publicidade ganham cada vez mais relevância, os meios de comunicação social são revolucionados e transformam-se numa ferramenta comercial. O design em particular, procurou acompanhar as mudanças que se estavam a registar, experimentando uma abordagem modernizada e uma linguagem visual representativa da sociedade atual.

Influenciado pela Revolução da Indústria, o início do século XX caracterizou-se pelas inúmeras inovações e avanços. Paris começou a ser afirmada como o centro da cultura e das artes e o conceito de “Loucos Anos 20” foi sendo propagado com uma referência aos novos gostos da comunidade. Posto isto, a necessidade de promover as ideias em vigor e desenvolver uma melhoria no mercado, possibilitou a priorização das artes gráficas enquanto recurso de comunicação.

Antecedida pelos movimentos Arts and Crafts e Art Noveau, a expressão Arte Déco teve origem na Exposição Internacional de Artes Decorativas e Industriais Modernas. O surgimento deste novo estilo, veio apresentar uma abordagem renovada, tentando assim corromper com os princípios arcaicos que eram aplicados no design. Verificou-se uma evolução de uma imagem ligada às preferências filosóficas e políticas que geralmente eram definidas, para uma estética elegante e sofisticada. Existiu então uma geometrização e estilização das formas que levou os artistas a apostar nas Artes Decorativas como ilustração da beleza, da libertação e das artes do espetáculo.

Inicialmente, este movimento era praticado com o intuito de promover peças de teatro e apresentações de cabaré. No entanto, com o crescimento cada vez maior da economia e da indústria, existiu uma necessidade de investir na publicidade de modo a fazer progredir o mercado na sociedade. Por conseguinte, sendo característico da Arte Déco a criação de uma imagem chamativa e individual, o propósito do estilo foi expandido para a produção de anúncios atrativos e cativantes. Um dos designers que maior impacto teve nesta viragem foi A.M. Cassandre, que executou algumas das obras mais icónicas do século XX. Introduziu uma nova perspetiva ao elaborar os primeiros posters adaptados à visualização em movimento e adquire uma linguagem própria relativamente à composição da tipografia.  

Para além de um instrumento de divulgação, a Arte Déco manifestou-se ainda nas capas de livros que refletiam acerca das práticas quotidianas modernas adotadas e estendeu-se pela arquitetura, moda, pintura, etc… Apesar de ter entrado em decadência entre os anos 1935 e 1939, as influências acabaram por permanecer em alguns aspetos que mais tarde voltaram a ser explorados.        

Poluição Visual Urbana e Design: Um Diálogo Necessário

 Alguma vez reparas-te em cartazes sobrepostos nas paredes? Ou qual foi o lugar mais poluído visualmente que já viste?

Bem a prática de sobrepor cartazes uns sobre os outros em ambientes públicos gera um fenômeno que transcende a poluição visual e se transforma num problema de Design Urbano. O design, sendo uma área que procura organizar e comunicar informações de forma eficiente e estética, a cada dia que passa enfrenta um desafio maior com o aumento descontrolado de camadas de anúncios que acabam saturando o espaço visual. Esse acúmulo compromete a legibilidade dos próprios cartazes e, a longo prazo, cria uma interferência que desfavorece tanto os anunciantes quanto o público-alvo, além de degradar a estética urbana. Felizmente, em Portugal essa prática não é muito usual., observamos cartazes nas paredes mas nunca de forma irregular ou extraordinária. No entanto em outros países infelizmente é uma situação bastante comum. Como por exemplo, em cidades de países como o Brasil, a Argentina, o México, o Japão e os Estados Unidos. É especialmente evidente em áreas com intensa atividade cultural e uma tradição de publicidade "alternativa", onde as ruas são usadas como extensão da arte urbana.

Geralmente o que nos surge é perceber como é que estamos diante de poluição visual através da saturação de tantos cartazes na parede. Basta te questionares. Alguma já notas-te o impacto dos cartazes sobrepostos em algum espaço que frequentas ou frequentas-te em algum momento? Refletir sobre essa questão como exemplo ajuda a entender a importância do design na organização e preservação dos espaços urbanos.

Do ponto de vista do design gráfico, essa prática revela uma incoerência. Enquanto o design procura comunicar claramente uma mensagem, o excesso de camadas e a sobreposição das mesmas acabam por sufocar a informação, tornando o conteúdo visualmente caótico. Essa situação poderia ser evitada com soluções de design que organizem melhor os espaços de anúncios, como murais específicos, painéis de uso controlado e situações com prazos determinados onde os responsáveis pelos cartazes controlassem o tempo de exposição dos mesmos. 

   Algumas sugestões de Soluções Visuais 

Para incentivar o debate sobre soluções para a poluição visual, participa com a tua opinião sobre qual destas ideias de design urbano consideras mais eficiente.

1. Espaços dedicados para anúncios, evitando a sobreposição.

2. Painéis temporários que permitem apenas um certo número de anúncios simultaneamente. Ou, 

3.Painéis digitais que limitam a exibição de anúncios conforme necessário.

– Vota na tua Preferida!

Para conseguir ilustrar melhor esta questão, observe as imagens abaixo retiradas de um vídeo onde acontece este tipo de situações. Esta referência foi a que me chamou a atenção para questionar este assunto. Uma vez que, para pessoas como eu, que não moram em locais onde esta prática acontece e que assim como eu não tinham consciência da existência desta situação é uma chamada de atenção para estarmos mais atentos. Como podemos observar mostra o problema mais tangível e compromete-nos à travessia de mudanças que deveriam ser postas em prática.

Além de refletir, convido-te a compartilhar as tuas próprias sugestões! E a compartilhar esta situação com pessoas, que assim como eu desconheciam este cenário. 

Como exercício prático, proponho um desafio: procurar e observar um espaço público onde existam cartazes sobrepostos nas paredes ou uma enorme quantidade dos mesmos. Imagina que és a pessoa responsável, ou o criador deles. Que tipo de sentimento ou até mesmo visualmente com que olhos observarias o ambiente e emoções isso te traria? 

Deixo aqui o vídeo completo para quem deseja se aprofundar e visualizar o vídeo completo.

Bruno Munari: o Design e os Pré-Livros

 A evolução da comunicação visual tem vindo a progredir desde sempre. Partindo do período primitivo até à atualidade, as formas de representação, as técnicas e as abordagens utilizadas na história do design foram sendo expandidas criando uma linguagem cada vez mais desenvolvida e inclusiva. Através da inovação e da procura de um design acessível, o artista e designer italiano Bruno Munari, foi uma das figuras mais relevantes ao longo deste progresso.

Quando falamos de expressão multidisciplinar na arte, o trabalho deste artista sobressai na sua diversidade e ousadia. As suas obras refletem sobretudo uma preocupação e um interesse pelas circunstâncias e pela realidade que o rodeava. A arte e o design deviam incidir sobre a sociedade e a forma como era recebido por todo o tipo de público, desde os mais novos até aos mais velhos. Dentro das suas muitas criações e ideias progressistas, por volta da década que sucedeu a Segunda Guerra Mundial, Munari começou a explorar diferentes variações dentro do design do livro enquanto objeto. Inicialmente designados por “Livros Ilegíveis”, esta experimentação passou pelo desenvolvimento de uma peça que se afastasse dos ideais convencionais que definiam o livro. Geralmente, na composição de uma publicação incluímos uma série de “elementos base”, sendo que cada um desses componentes desempenha a sua função consoante foi inicialmente projetado. A tipografia, a imagem e o próprio suporte da obra seguem sempre um padrão estabelecido. Bruno Munari vem questionar este processo, apresentando uma solução empírica que pretende demonstrar uma nova abordagem na comunicação visual. Os Pré-Livros ou Livros Ilegíveis, ao contrário do livro comum, enaltecem os recursos gráficos que por norma têm um papel secundário. A cor, as texturas, os formatos e a encadernação são desenvolvidos e aplicados como uma mais-valia, proporcionando ao público uma perspetiva sensorial.

A presença da arte, o modo como as crianças interpretam o que as rodeia e a maneira como estimula a sua criatividade, sempre foi do interesse deste artista. Posto isto, mais uma vez a sua preocupação em tornar então o design inclusivo, reflete-se no conceito por detrás das suas criações. Munari acredita que a aprendizagem deve ultrapassar os métodos monótonos e tornar-se numa experiência dinâmica, explicando que a maioria dos adultos não apreciam a leitura por a considerarem um processo entediante. Assim sendo, um dos principais objetivos deste projeto seria começar por propor uma modificação no contacto com o livro e tornar o conhecimento uma possibilidade para qualquer um, começando pelos mais pequenos.

Com um percurso repleto de intervenções que vieram a contribuir para a evolução das artes e do design, Bruno Munari repensou a comunicação e comprovou que as possibilidades de reinvenção da visualidade podem ser inúmeras.

A Arte de (Sobre)Compensar: O Ensaio de Emily Keegin Sobre Trump

  Emily Keegin é uma editora e fotógrafa renomada, reconhecida pelo seu trabalho influente na fotografia editorial e direção criativa. É bastante conhecida pelo seu papel como Diretora de Fotografia na The FADER, onde ajudou a moldar a estética visual distintiva da publicação. Keegin tem um olhar aguçado para a fotografia contemporânea e pouco convencional, capturando emoções e personalidades genuínas. Frequentemente, desafia os limites da narrativa visual editorial.

Assim, não surpreendeu aqueles que acompanham o seu trabalho quando publicou um ensaio nas suas Histórias do Instagram, dissecando, do ponto de vista de uma editora e fotógrafa, o impacto visual do bronzeado de Trump e o seu significado.

Ela começa por dizer que, inicialmente, acreditava que o bronzeado artificial de Trump resultava de uma combinação de câmera e iluminação. Pensou que fosse feito para a audiência televisiva e que faria mais sentido sob luz azul. No entanto, agora parece-lhe que há uma razão mais psicológica por trás disso.

Em 2017, todos já achavam que Trump tinha um tom de pele alaranjado incomum, mas ninguém previu o quanto ele iria acentuar essa cor. À medida que o seu mandato avançava, mais bronzer era aplicado: quanto mais stress, mais maquilhagem. Depois de sair do cargo, a maquilhagem só aparecia nas câmaras, mas era geralmente mais discreta em comparação.

Em junho de 2024, após Trump debater com Joe Biden, a sua maquilhagem exagerada desapareceu. Ao analisar as fotos, é fácil ver que não há marcas de maquilhagem em torno do rosto. Em julho, o rosto já estava no mesmo tom das mãos. Agora, no presente, numa foto de 30 de outubro de 2024, no Madison Square Garden, vemos Trump com um bronzeado laranja muito escuro, como nunca antes.

Desde 2020 — quando a primeira foto do rosto intensamente bronzeado dele viralizou online, por volta do fim do seu mandato — a sua "máscara laranja" foi normalizada. Keegin argumenta que talvez devesse ser um foco de análise novamente. Porque, segundo ela, a máscara mudou: desapareceu e voltou. Desta vez, mais escura e brilhante, é mais gritante. A editora acredita que esta é uma forma importante de entender Trump e a forma como ele vê a sua realidade.

Então, a máscara fica mais escura no final das suas campanhas de imprensa; o que isto significa? Keegin compara com uma tendência da internet que começou neste verão — a "eyebrow blindness". Ela afirma que as nossas escolhas de maquilhagem não são feitas "às cegas", vemos os nossos defeitos de forma muito clara, e por isso tendemos a exagerar para tentar escondê-los o melhor que podemos. Algo peculiar que ela menciona na sua análise é que o bronzeado exagerado de Trump não combina com a sua estética de "big suits" e de “old money”.

Assim, Keegin conclui, com base na sua pesquisa, que a presença de uma máscara exagerada implica um ego em desespero, tentando esconder e sobrecompensar falhas e fraquezas. A intensidade crescente do seu bronzer, especialmente notória em fotos recentes, implica uma auto-apresentação ansiosa que pode sinalizar dúvida ou vulnerabilidade na atual corrida eleitoral.

Referência: https://www.instagram.com/emily_elsie/

Visual Poetry by Nitzan Mintz

Nitzan Mintz is a visual poet from Tel-Aviv based in New York. She began working over a decade ago in the streets of Tel Aviv, where she would create visual poetry for specific locations in the city. 

In her early works, the main objective was rather poetic than artistic. The urban environment allowed a far greater exposure than any niche gallery or esoteric poetry magazine. The medium — graffiti, street art — served merely as a means, aimed at increasing the reach of the poem and exposing it to a broader audience.

Anchor Acrylic on metal, Tel Aviv, Israel, 2016 (English translation here)

The first poems, were long and obtained somewhat of a verbal complexity. Consequently, the primary goal of the craft-making was, first and foremost, readability and legibility— the ability to delve deeply into the words, what is referred to as "content is king." 

"The textual imagery is created with stencils that function as actors. They have a dreary outline that is purposely sourced from municipal signs and obituary notices. The shapes of the letters are decontextualized. Introduced in a new composition, they become an element in the final image."

 

Common Hebrew stencil

Over time, Nitzan expanded her range of artistic expression and began to "play" with various typographic tools at her disposal, experimenting with different fonts (at times, she even "sculpts" her own geometric lettering) and reducing the leading to the point of compromising the text's readability. This approach, of challenging the viewer's reading ability, adds a new layer of enigma to the text. Whereas before it was immediately recognizable as a "poem" or "words," the elimination of spacing transforms the text into a kind of tangled spider web/.

The Eye is Closed Acrylic on metal, Tel Aviv, Israel, 2019

The eye is closed from the outside and inside" ".No one in the house

Some Wounds Have a Stairwell Inside Wall painting, Dead Sea, Israel, 2019

As her International career took off, the demand for works in diverse languages grew, mostly in English. As a result, Nitzan began translating her works, sometimes creating a site-specific piece in the original language, while enlisting translators as needed.

My Disappearance Wall painting, Munich, Germany, 2017

Within time the experimenting extended beyond the layout and Nitzan has expanded her technique to various materials and surfaces, other than the classic wall-stencils. Her poems are later developed into her visual pieces, where she mainly uses leftovers from the public sphere, industrial materials and paint.

The Heart Pushes Roofs to the Sun Wood and wall paper installation, Tel Aviv, 2020

She later continued to create studio pieces, existing alongside the outdoors murals in an ongoing symbiosis. The emphasis in these works was on creating multi-layered pieces, with bold materiality and tactility, while the content component gradually fades, to the point of being barely-readable. The abstract text is accompanied by additional abstract elements, which together create an enigmatic piece that demands deciphering. These pieces allow a deeper look inwards, into the vague and raw place where the words are undermined.

The Heart mixed media, 200x40 cm, 2023

The Eye Mixed media on paper, 2022, 79x65 cm

These are, later to be described as "collages of words and materials":

"The majority of the pieces are made of leftovers: pieces of wood, metal plates, different types of paper, construction remains, all of them no longer serve their original purpose. All of them carry stories from their past. Through these stories and what I might add to them, I can reveal something personal of my own."

Design em Movimento com Tipografia Cinética: Os "Type Scraps" de Mat Voyce

A coleção "Type Scraps" de Mat Voyce é uma exploração cativante da tipografia cinética no design em movimento. Conhecido pela sua abordagem única à animação tipográfica em 2D, o trabalho de Voyce ultrapassa os visuais estáticos, dando vida às letras com carácter e estilo. A série "Type Scraps" de março de 2023 apresenta o potencial da tipografia em movimento, desde gráficos inspirados nos anos 80 até animações baseadas em vetor. 

 

 

Ao adicionar movimento, ele infunde a tipografia com profundidade e expressão, indo além do design convencional para criar algo vivo. Estas peças animadas fazem da tipografia a estrela do espetáculo, captando a atenção do espectador com letras que saltam, formas que mudam e transições vívidas que incorporam a mensagem de cada palavra.

O resultado? Letras que parecem reagir e interagir, transformando texto simples em histórias visuais. Esta abordagem traz uma qualidade lúdica e envolvente à tipografia, mostrando como o movimento certo pode melhorar a legibilidade enquanto adiciona camadas de significado.

 

 

Cada peça é animada de forma cuidada, com movimentos adaptados ao seu estilo específico. Por exemplo, textos inspirados nos anos 80 podem pulsar com uma vibrância neon, enquanto letras baseadas em vetor podem apresentar transições suaves e limpas.

A tipografia cinética de Mat Voyce não é apenas para a web, é feita para diversos média. A sua tipografia animada aparece em GIFs, videoclipes e branding de transmissão, de forma a demonstrar a sua versatilidade e ampla atratividade. 

 

 

Ao combinar animação e design tipográfico, Voyce criou um estilo único e envolvente que ressoa em várias plataformas. Para designers e animadores, o seu trabalho é uma masterclass sobre como usar o movimento para adicionar profundidade e personalidade ao texto, provando que a tipografia pode, de facto, mover e inspirar.