You Say You Want a Revolution? Records and Rebels 1966-1970

Em exibição no museu Victoria & Albert, em South Kensington, Londres, a exposição You Say You Want a Revolution: Records and Rebels 1966-1970 foca-se na relação entre música, design, moda e a política e movimentos sociais do fim dos anos 60 do século XX, particularmente nos Estados Unidos e no Reino Unido. 

Os seus curadores, Geoffrey Marsh e Victoria Broakes, foram também responsáveis pela exposição David Bowie is, uma retrospectiva da carreira do músico realizada em 2013 também no V&A, cujo extraordinário sucesso levou a que fosse exibida internacionalmente em diversos países desde a sua inauguração em Londres e até ao presente. 
Records and Rebels foi realizada em parceria com a Levi’s e, de forma mais relevante, com a Sennheiser, da qual ficou a cargo toda a experiência sonora da exposição: a cada visitante é entregue um guia sonoro, um pequeno aparelho com headphones, que vai tocando o áudio apropriado – música, excertos de filmes, entrevistas - à medida que o visitante se desloca na exposição. Quer o visitante salte completamente uma sala e avance para a seguinte ou volte atrás na exposição, o áudio acompanha a sua deslocação, o que resulta numa experiência completamente imersiva e personalizada para cada visitante. Dividida por seis salas temáticas cuja excelente organização favorece os objectos expostos, permitindo que haja espaço quando necessário e uma continuação e relação evidente e lógica, Records and Rebels leva-nos num percurso histórico pelo final dos anos 60. 
A primeira parte da exposição dá-nos a conhecer a Swinging London, a revolução cultural baseada em Carnaby Street e King’s Road que levou a um enorme crescimento na produção de moda, arte e música, popularizando ícones como a modelo Twiggy e a mini-saia e os hot pants de Mary Quant e tendo a rádio pirata como banda sonora do movimento anti-nuclear e da revolução sexual. 



Observamos ainda a influência da música desta Swinging London na moda, sendo que as peças mais interessantes e com mais destaque desta secção são os fatos usados por John Lennon e George Harrison no álbum dos Beatles ‘Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band’ e a letra, escrita à mão, da música Lucy in the Sky with Diamonds. 
Uma curiosidade: o título da exposição é retirado da música Revolution, dos Beatles (You say you want a revolution/Well, you know/We all want to change the world/You tell me that it's evolution/Well, you know/We all want to change the world). 




'Lucy in the Sky with Diamonds', John Lennon e Paul McCartney 1967, aqui escrita à mão por Lennon.


A secção seguinte diz respeito às contra-culturas e o seu estilo de vida, com um grande foco no consumo de drogas como ferramenta de criatividade e produção de arte. Mais uma vez a música tem um papel de destaque, desta vez aliada à literatura da Beat Generation: uma grande vitrine cheia de capas de álbuns de grupos como The Who, Pink Floyd e Jefferson Airplane e obras literárias como On the Road, de Jack Kerouac, e Naked Lunch, de William S. Burroughs chama a atenção imediata do visitante aquando da entrada na sala. 




De seguida, é-nos apresentada uma sala focada na participação dos jovens na política e em revoluções sociais, como o Maio de 68 em Paris, o movimento Black Power, a luta pelos direitos LGBT, o feminismo e a oposição à guerra do Vietname. Algumas das peças que mais se destacam nesta sala são os objectos de propaganda dessa guerra. Também as peças que dizem respeito à disponibilização ao público em geral da pílula contraceptiva são interessantes, particularmente pela sua relação e contributo para a emancipação da mulher. 

'Would you be more careful if it was you that got pregnant?', Alan Brooking 1969

Existe um grande contraste entre esta sala e a seguinte: se a primeira se foca nas revoluções sociais e no activismo, a segunda foca-se principalmente no consumismo da sociedade na época, consequência do aumento do poder de compra. 

Em grande destaque está a Exposição de Montreal de 1967, o seu enorme sucesso com milhões de visitantes e a sua consequente influência no desenvolvimento da sociedade focado no consumidor. 

Com o aumento do número de televisões nos lares, foi possível assistir à cobertura da guerra do Vietname, bem como à aterragem na lua em 1969. Estes eventos marcaram bastante o final dos anos 60, algo demonstrado pelo mobiliário futurista presente nesta sala e a sua relação com o filme '2001 Odisseia no Espaço', realizado em 1968 por Stanley Kubrick, bem como pelo fato de astronauta usado por William Anders, um dos tripulantes da missão Apollo 8, e por uma rocha lunar emprestada pela NASA. 

A sala seguinte é facilmente a mais popular e marcante de toda a exposição. Depois de sairmos da sala anterior por um corredor escuro, chegamos a um espaço aberto cuja parte de cima das paredes está coberta de ecrãs e onde a maior parte dos objectos expostos se encontra apenas nas paredes ao longo da sala, deixando o centro da mesma livre. Este aspecto é aproveitado ao máximo, com almofadas espalhadas pelo chão da sala, coberto de relva artificial, criando um ambiente relaxado e imersivo onde os visitantes podem relaxar e assistir às imagens de vários concertos do festival de Woodstock em 1969, incluindo a icónica performance do hino Americano, Star Spangled Banner, por Jimi Hendrix. Os objectos aqui expostos dizem respeito a este ambiente festivaleiro: capas de álbuns, posters, detalhes da organização de Woodstock como a planta do festival e contratos de artistas, bilhetes de vários festivais da época e fatos usados por artistas como Roger Daltrey, Mama Cass e Jimi Hendrix. 

O conteúdo da última sala prende-se com a vida em sociedade/comunidade e com valores de partilha dos recursos naturais da Terra e do conhecimento humano. Comunas hippies na Califórnia partilhavam estes valores com os pioneiros da computação moderna. Aqui é possível observarmos peças de destaque como o Whole Earth Catalog, produzido por Stewart Brand, uma réplica do primeiro rato de computador ou o Apple I, o primeiro produto da Apple, desenhado e construído por Steve Wozniak. 

Também o movimento ecológico está em destaque nesta sala com o poster do primeiro Earth Day, de Robert Rauschenberg. A "segunda parte" desta sala faz um resumo de toda a exposição e época e a forma como influenciou muitas preocupações sociais actuais. Num ecrã à saída são projectadas imagens de acontecimentos importantes desde 1966 até aos dias de hoje ao som de Imagine, de John Lennon. 

Ao longo de toda a exposição são mostrados inúmeros objectos de arte, design, cinema, moda, literatura e activismo político-social. No entanto, à exposição falta uma maior inclusão de objectos arquitectónicos, a única área de estudo menos representada. 

É interessante reflectir em como todos os acontecimentos retratados em Records and Rebels influenciaram a actualidade e fazer um paralelo com os recentes anos, em que questões como os direitos humanos e a igualdade de género, raça ou sexualidade voltaram a ser ameaçadas e discutidas. 

You Say You Want a Revolution? Records and Rebels 1966-1970 está aberta ao público desde 10 de Setembro de 2016 até 26 de Fevereiro de 2017 no V&A e a entrada custa 16£. 

Nota: não é permitido tirar fotografias à exposição, pelo que as imagens apresentadas aqui são de fontes oficiais e de críticas aprovadas pelo V&A e, como tal, não ilustram todas as salas.

Tombos e Gritos

Mário de Sá Carneiro sabia que vivemos isolados, nunca conseguindo atirar aos outros com tudo aquilo que somos. José Pacheco ouviu-o em Mistério, conto sobre a alma humana e a impossibilidade de comunicação total.

Em fevereiro de 1914 foi publicado na revista A Águia o conto Mistério, um dos fragmentos que constituiria mais tarde Céu em Fogo e que foi também o ponto de partida para o texto A Confissão de Lúcio.

Nas páginas de Mistério existe um despedaçamento e aspereza constantes no que é lido, produzindo uma densidade e emoção capazes de nos ferir e de nos acordar. No final do conto há quem veja luz e há quem veja mistério. Tudo será construído por cada alma.

Revista A Águia Nº 26 - fevereiro de 1914. 
Exemplar guardado na Biblioteca de Arte da Fundação Calouste Gulbenkian.
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Revista A Águia Nº 26 - fevereiro de 1914. Página 41.

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Através da vivência de um homem, o Artista, sentimos a melancolia perpétua a bater nos ossos. A loucura não andará longe disto. Está junto à garganta, numa sensação de agonia que circula até ao estômago e nunca é breve. Se alguém vem contra nós, caímos. Sentimos a morte e o declínio, o interior do Artista cercado por si próprio (parecendo prever a toma de estricnina por Mário de Sá Carneiro para depois se esticar e morrer, como Ivan Ilitch).

Existe no conto uma habituação ao sofrimento, uma zona que parece de conforto para o escritor, um espaço que ele domina, tornando-se um especialista que não quer sair de lá.

Percebemos que há uma vontade de desviar apenas o tempo, não querendo abandonar totalmente a tristeza, pois só assim será possível criar algo digno e brilhante, mesmo perante a ausência do real ou de ilusões. Aliás, a única realidade possível é exclusiva ao próprio sujeito. No entanto, valerá a pena escrever um texto triste se a única forma de escrever esse texto implicar diretamente a tristeza do seu autor?

Parece-me pertinente refletir rapidamente na questão da possível teatralidade e do desvio da obra da vida do homem que a escreve. Poderá mesmo acontecer? Tendo lido textos de Mário de Sá Carneiro e as cartas que trocou com amigos como Fernando Pessoa e José Pacheco, parece-me existir uma relação estreita entre o que é escrito e o que é vivido interiormente. Ainda assim, haverá muito texto e subtexto por analisar e para isso a obra O Modernismo em Mário de Sá Carneiro de Fernando Cabral Martins, constitui, para quem queira, uma das ajudas.

O Artista de Mistério é para Mário de Sá Carneiro, alguém cansado de viver na ilusão, adormecido pelas conversas e risos de cortesia, prolongamentos de estados onde não existe nenhum esforço de convergência. Vê-se com lucidez, uma alma “toda vidros partidos e sucata leprosa”. Não sente atração por nada, quer apenas fechar os olhos, mas o seu cérebro não quer descansar. Está leso da alma, a mesma inquietude que sentia em criança, apesar de nessa altura o sentido de impossibilidades da vida ser diferente.

Talvez o sofrimento desse sentido à vida daquele homem. “Pressentira-o quando uma noite, ao caminhar solitário por uma rua estreita, cheio de tristeza sofrida, se descobrira muito mais feliz, com a existência bem mais cheia e embelezada, do que ainda ha pouco, por uma grande praça, antes de lhe descer essa amargura.”

Andava quase sempre com a sensação de morte ao lado mas sentia que deveria continuar para “bem” das suas obras. No entanto, se morresse, os outros corpos que se chegassem para trás e só percebessem que morreu quando as cinzas estivessem altas.

Sentia-se incompreendido, ansiava por uma alma que o conhecesse inteiramente. Ao encontrar essa alma, a irmã de um amigo, dar-se-ia a libertação do mistério. Ainda assim, “poder-se-iam, em verdade, abater todas as barreiras entre as duas almas?”.

O questionamento sobre a impossibilidade de comunicação e comunhão verdadeira e total, que já era descrito nas cartas trocadas entre Mário de Sá Carneiro e Fernando Pessoa, assume-se como o objetivo principal deste conto. A maior ânsia do Artista deriva de querer encontrar uma “alma que o conhecesse inteiramente e que também lhe soubesse toda a alma.”

Há uma aparente convergência das duas almas amantes (porque se conseguiram conhecer totalmente) que morrem de seguida e podem ser vistas apenas como dois corpos esticados e inertes ou como uma fusão total repleta de luz que depois se torna invisível.

A procura de comunicação total assume um valor superior à vida mas podemos apenas pensar que a interrogação não é necessária. Morremos porque morremos. Não sabemos de quê e para quê.

Revista A Águia Nº 26 - fevereiro de 1914. Página 49.
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Almanach Perpetuum, de Abraão Zacuto

Em dezembro de 2016 passam 520 anos desde que D. Manuel I ordenou a expulsão dos judeus de Portugal.

Seguindo o exemplo dos reis católicos espanhóis, D. Isabel e D. Fernando, o rei português decretou a expulsão do país de todos os judeus que recusassem a conversão ao catolicismo através do batismo, rompendo, assim, com uma longa tradição de tolerância cultural e religiosa. D. Manuel cedia, desta forma, a uma condição imposta por Espanha, para que pudesse casar com a viúva de seu primo Afonso, D. Isabel, e milhares de judeus tiveram de optar entre a expulsão e a conversão.

Aquando da expulsão dos judeus de Espanha, em 1492, Abrãao Zacuto, astrónomo, matemático e historiador de origem judaica, refugiou-se em Lisboa, tendo sido nomeado astrónomo e historiador real por D. João II, cargos que exerceu até ao reinado de D. Manuel I.  Zacuto foi consultado por este monarca acerca da possibilidade de se viajar por mar até à Índia, projeto que apoiou e encorajou.

Primeira página das tabelas do Almanach Perpetuum de Abraão Zacuto

Nos finais do século XV, entre os primeiros quatro livros impressos em Portugal, surge o primeiro livro de cariz totalmente científico, referente não a temas literários ou religiosos mas à matemática e à astronomia, o Almanach Perpetuum, da autoria de Abraão Zacuto, publicado originalmente em hebraico e traduzido para latim e para castelhano pelo Mestre José Vizinho, médico da corte de D. João II, astrónomo e discípulo do autor.

Do ponto de vista técnico, a tipografia dos judeus portugueses era uma das mais avançadas da época: as suas edições eram cuidadas, impressas em bom papel ou pergaminho, sobriamente decoradas e com tintagem bem distribuída. A composição era feita com caracteres de excelente recorte, do género sefardita (comum às edições portuguesas e espanholas), diferente do utilizado noutros países europeus, designadamente na Itália e na Alemanha.

O Almanach Perpetuum é o primeiro livro com origem na comunidade judaica mas destinado a um público mais vasto e não apenas ao público da religião judaica, uma vez que foi impresso em latim, a língua franca da Europa de então.

O facto de ter sido impresso em 1496, pouco tempo após a introdução da técnica de impressão em Portugal, mostra a importância da divulgação da informação que consta nesta obra.

O Almanach Perpetuum reproduz o movimento dos astros por referência a coordenadas astronómicas. Prevê os momentos e coordenadas de acontecimentos celestes, as chamadas efemérides. As suas tabelas numéricas permitiam determinar a posição dos astros, o momento dos eclipses e fazer diversos cálculos astronómicos e astrológicos.

Com as primeiras quatro tabelas solares do Almanach era possivel determinar com rigor a posição do Sol na eclíptica. Com este valor, recorrendo a uma quinta tabela, era possível obter o valor da declinação do Sol, parâmetro necessário para o cálculo da latitude do lugar de observação, quando utilizada a medida da altura meridiana desse astro.

As tabelas eram válidas para os anos de 1473 a 1476. Para os anos seguintes era necessário fazer cálculos, através de uma outra tabela que Zacuto integrou na obra. O grau de precisão era tal que elas foram utilizadas como base de diversas outras tabelas destinadas aos navegantes, onde se indicavam os resultados dos cálculos requeridos pelas tabelas de Zacuto.

Estas tabelas foram essenciais para o bom sucesso das navegações ultramarinas portuguesas.

O desenvolvimento da arte de navegar e, consequentemente, os Descobrimentos, que muitos apontam como o início da globalização, jamais teriam sido possíveis sem o contributo técnico, científico e cultural de árabes e judeus.

Num ano como o de 2016, marcado pela intolerância cultural e religiosa, patente na crise dos refugiados, no terrorismo e no ressurgimento de ideologias nacionalistas e de extrema direita, sobretudo na Europa, é importante recordar o exemplo da obra de Abraão Zacuto e do seu impacto civilizacional e histórico. Sem tolerância e abertura de espírito esta obra jamais teria sido publicada.

Biblioteca Bodleian

Universidade de Oxford, Londres
Visita Guiada

As bibliotecas de Oxford estão entre as mais conhecidas do mundo, não só pelas suas incomparáveis coleções de livros e manuscritos, mas também pelos seus grandiosos edifícios, alguns dos quais permanecem em uso continuo desde a Idade Média. A principal biblioteca da universidade – a Biblioteca Bodleian – está nesse grupo das mais célebres e tem sido biblioteca de depósito legal há 400 anos.
A Bodleian é uma das mais antigas bibliotecas da Europa, e na Grã-Bretanha é a segunda maior em tamanho – apenas a ‘British Library’ com mais de 12 milhões de artigos impressos a consegue ultrapassar.
A visita é iniciada na maravilhosa ‘Divinity School’ – uma deslumbrante obra-prima da arquitetura gótica tardia, não tendo comparação com qualquer outra coisa na Europa no séc. XV. Mas o interior que vemos nos dias de hoje não é de modo algum o que foi concebido quando esta obra começou a ser lançada em 1424. A impressão imediata ao entrar neste espaço é de luz e amplitude, saltando à vista a impressionante pedra esculpida encrustada no teto com grandes pingentes pendurados nos arcos que atravessam o edifício e sustentam a abóbada.

/ Divinity School /

Subindo as escadas encontramos os nomes de todos aqueles que ao longo dos anos foram doando os seus bens a esta biblioteca, até chegarmos a uma sala longa e luminosa – Arts End – onde são explicados curiosidades e detalhes tais como o facto de os livros estarem acorrentados às estantes - pois estes não podiam ser removidos daquela sala, nem mesmo quando o rei Carlos I pediu para lhe ser entregue o livro de história do mundo de Theodore Agrippa d’Aubigne. Entre outras curiosidades é possível pegar num livro feito posteriormente aos que ali estão, mas com o mesmo peso e material para percebermos como é pesado.
Voltando ao exterior foi possível visitar a ‘Radcliffe Camera’ um espaço de leitura utilizado ainda hoje pelos alunos da universidade de Oxford. Este edifício circular é conhecido como um dos símbolos desta universidade; a entrada é feita a sul e no seu interior existe uma escadaria em espiral. Não é possível aos visitantes permanecer neste local por muito tempo, pois o silêncio é fundamental neste espaço para os estudantes.

/ Radcliffe Camera /

Antes da visita terminar na ‘Divinity School’, ainda no exterior é nos dado a conhecer mais histórias desta universidade e da sua rival – Cambridge. Uma história interessante destas duas universidades é a dos seus brasões. Enquanto que a Universidade de Oxford tem no centro do seu brasão um livro aberto, simbolizando uma mente aberta e aceitação, o brasão de Cambridge tem a Bíblia fechada.

Regressando à sala onde se iniciou a visita, a guia explica a dimensão que a biblioteca foi ganhando ao longo do tempo, e da necessidade de criar novos espaços para acolher todos os livros que vão chegando à rede que é a biblioteca Bodleian. Esta não é apenas um edifício, mas sim uma rede com diversas salas e espaços, uns de leitura e pesquisa, outros onde se encontram os livros apenas em estantes metodicamente organizados e armazenados. É através de um sistema muito bem delineado que os livros chegam aos alunos da universidade de Oxford. Como foi dito no decorrer desta visita a ideia de que os livros poderiam acabar devido às novas tecnologias e meios de obter informação é completamente destruída quando se conhece esta realidade e a relação dos alunos de Oxford com a sua biblioteca.

"Kontrabando 1 produção Pirata"

À porta, no Porto, rua dos caldeireiros, de frente para “Uma certa falta de coerência”. Conhecido como Pirata assina El Pirata e a exposição foi “Kontrabando 1 produção Pirata”, de 04 a 25 de Novembro.

Pedro Pirata vive em condições precárias, é um recolector. Anda pela cidade. Vive do que angaria na rua, dos objectos que recolhe e transforma como acto de sobrevivência. O que faz inclui o vício. Vende o que reúne, para comprar  e suportar a vida nesse espaço, onde o fazer implica destruição. Habita num espaço possível. Convive com fragmentos de acasos que une para encontrar sentidos.

Os artistas André Sousa e Mauro Cerqueira responsáveis pelo espaço “Uma certa falta de coerência” desta vez, em simbiose com os feitos do Pirata, procuram encontrar sentido com esta proposta de exposição. Questionam a ideia de artista ou de comunidade artística e a forma como uma interroga a outra, propondo num movimento naif, uma orientação intelectualizada de retorno à génese do próprio espaço, à interrogação, ao auto-questionamento. Propõem o Pedro enquanto habitante do espaço, como lugar que o altera e pressupõe.

“Uma certa falta de coerência” é um espaço independente fundado neste modelo de teste às próprias condições do lugar e de quem o organiza. Embora num tempo sirva de abrigo ao Pirata, o questionamento entre quem faz e organiza e quem organiza e faz, prevalece a qualquer tipo de acção social. A exposição afirma-se como sendo pensada em prol desse questionamento e não de uma serventia. Sobre os que servem, André Sousa e Mauro Cerqueira, este espaço desloca-se para eles mesmos, são receptivos a  apoios exteriores mas  sobrevivem essencialmente num regime de auto-gestão, distantes das instituições que os albergam enquanto fazedores de arte.

“Kontrabando 1 produção Pirata” parece sugerir uma crítica à frenética condição de recurso a financiamentos exteriores justificada pelos que adequam o desígnio da atividade artística ao apelo de serviço à comunidade. O carácter aparentemente inclusivista desta exposição é efémero: surge como ressonância do pulsar dos tempos. O artificio de inclusão do El Pirata no elenco da programação de exposições é uma nota de eventual  dissonância  que poderá evidenciar o artificio de candidaturas a subsídios justificados por indicadores europeus. É um evento esporádico que parece “picar-nos” com a crueza da realidade social e da  condição de artista .

Lembro-me do cheiro proeminente da exposição. Senti a estranheza de mim pelo cheiro que se colava ao percorrer o que me era dado a observar. Tudo parecia possuir um cheiro que contribuía para um outro cheiro global. Quando estava de saída da exposição, o Pirata ofereceu desenhos. Aceitei um e senti que tinha acabado de contribuir para esta efemeridade de um  cheiro, que não é contínuo, que acontece, também ele, de forma esporádica.

O artista precisa tanto daquela casa como da exposição para habitar. Definitivamente  não se dão casas às pessoas e as pessoas tem que ter sítio para morar. O trabalho de Pirata parece residir na arte e engenho de abrigar o próprio corpo. Esta exposição evidencia questionamento em relação à interacção da arte com a comunidade, com o quotidiano das cidades e das pessoas que a habitam  mas parece não servir parte da comunidade questionada. Nesta exposição o espaço escolhido mostra-se fisicamente pela identidade com o trabalho do artista que o habita, de forma especifica, revelando a intencionalidade dos programadores / artistas.

Copos de vidro e garrafas penduradas, seringas, desenhos, frases, colagens, recortes, formas de alumínio pelo chão ou compostas pela parede, papeis, sprays e o cheiro. Percorri a exposição e na segunda sala à entrada estava um livro no chão entre a ombreira da porta e uma planta, “Princípios gerais de direito – uma perspectiva  politológica”  senti-lhe logo o cheiro. Esta sala precedia uma outra vazia, com o chão coberto de folhas. Estava escuro, Outono, as folhas caíram, foram coleccionadas e colocadas de forma a fazerem outro chão. O tempo passou como nós sobre o manto castanho amarelado do chão para outra das salas. Ali o rodapé era definido por garrafas de alumínio e tantas outras coisas pelo chão, no tecto, a pairar.

Persiste a interacção artista/ obra / público, fecha-se para reabilitar a obra como vida embora tanto a obra como a vida pareçam suspensas à espera do acaso, como previsibilidade.

Dia dois de Dezembro o artista Bruno Cidra procura abrigo com “uma certa falta de coerência”  e dá continuidade à programação do espaço número 7 da rua dos Caldeireiros.

Gravado em K7

Um misto de alívio, estranhamento e euforia. Quase como a confirmação de uma ainda não muito bem compreendida, mas aguardada profecia. Sina ou incumbência de uma natureza que se anuncia no corpo sem pedir licença à mente que brincava desavisada na fronteira entre a inocente e romântica rebeldia sonhadora e uma certa malícia distraída e latente.

É neste momento, tão comum, quanto marcante na vida de uma menina, em que se encontra Estela e que é traduzido, honesta e delicadamente, na primeira imagem de Califórnia, filme de longa metragem de estréia de Marina Person como realizadora, em cartaz no Cinema Ideal, no Chiado, em Lisboa.

Uma plano subjetivo, captado de cima para baixo, da personagem ao se deparar com seu primeiro período menstrual, nos convida, naturalmente à intimidade de Estela (Clara Gallo) em sua conturbada passagem pela adolescência.

O filme tem a sensibilidade de retratar com despretensiosa, mas afiada fidelidade, como era ser uma adolescente classe média em 1984, na maior cidade do Brasil e faz isso por um viés pessoal, particular e muitas vezes subestimado nas produções que tratam da época, relegadas apenas ao

lugar-comum do contexto político, pós ditadura militar e do movimento diretas-já. Califórnia preenche um espaço vazio, na expressão do inconsciente de um período. Soa como um manifesto juvenil de uma época esperançosa, não muito lembrada, mas intensamente vivida por muitos com paixão, como a da própria realizadora, que fica evidente através da importância da música na linguagem do filme, na trilha sonora de rock pós-punk de protesto nacional e internacional e também na intimidade um tanto auto-biográfica na abordagem das amizades e identificações, das descobertas, experiências e da liberdade sexual, ao mesmo tempo já ameaçada ou assombrada pela Aids, também tocada no filme.

A protagonista é a garota interessante da turma, meio introvertida e despojadamente bonita, outro acerto de Califórnia, que poderia facilmente adotar o caminho fácil do sensual e deixá-la linda e nua, mas prefere ser fiel a tendência em abandonar o formal e os padrões de beleza, presentes também na discussão do que seria uma expressão mais livre para as mulheres na época.

Estela sonha em visitar o tio Carlos (Caio Blat) e conhecer a Califórnia, ícones que representam a vanguarda e o ideal, quase uma rota dourada de fuga dos os conflitos e questões da adolescência e em direção ao que parece ser o novo, o libertário, o prazeroso. Mas a poucos dias das esperadas férias, o adorado tio volta para casa debilitado, misterioso e digamos que, interpretado por Caio Blat com menos profundidade do que se esperaria para um papel tão humano e marcante quanto o de um brasileiro homossexual e afetado pelo HIV nos anos 80; mas ainda com forte impacto na narrativa.

A realidade se impõe, como comumente parece fazer com muitos dos anseios adolescentes, que por sua vez se engrandecem em teor emocional, diante da frustração e mesmo ao mudar de tom com o tempo, impulsionam a entropia um tanto violenta da vida adulta, deixando, neste caso, apenas os postais na parede do quarto de Estela, estampada também por outros tantos ídolos sacralizados como The Cure, Smiths, Siouxie and the Banshees, New Order e o deus absoluto, David Bowie.

E é precisamente em face à desilusão com essa e uma outra paixão, que Estela abre espaço para JM Caio Horowicz, (que recebeu o prêmio de melhor ator coadjuvante no Festival de Cinema do Rio pelo filme) um garoto, que desafia o código da turma e com quem experimenta outras compatibilidades e afinidades, embalados pelas bandas que aterravam em vinis, sempre antes em São Paulo do que no resto do país e pelo existencialismo de "O estrangeiro" de Albert Camus, livro que também faz parte da história e que inspirou a faixa "Killing an Arab", primeiro single do The Cure, que figura numa das cenas mais catárticas do filme, capaz de impactar até mesmo quem não viveu ou não se chacoalhou ao som da banda emblemática.

Não foi fácil convencer o dono da música, Robert Smith, a liberá-la, já que nada deu a ele tanta dor de cabeça. Em quase 40 anos, a faixa foi diversas vezes usada com propósitos xenofóbicos, levando o músico a proibir sistematicamente seu uso.

A cineasta teve que convencer Smith de que a música não seria usada apenas para ilustrar uma cena, mas que faria parte da narrativa e felizmente conseguiu 

A sequência final do filme, destaca a realização segura, porém descompromissada, como a frenética corrida de Estela, pelas ruas de um bairro arborizado de São Paulo, acompanhada pela câmara viva e parceira e culminando com uma cena de sexo muito natural, suada, leve e espontânea até em seu nervosismo, que remete a urgência pela liberdade e pela experiência do prazer, sensações tão presentes na adolescência e nos muitos filmes sobre adolescentes e para adolescentes, mas que Califórnia, com simplicidade e autenticidade consegue fazer relembrar, reviver e por que não constatar, já na maturidade, que sim; tudo valeu a pena.